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sábado, abril 02, 2011

El Armadillo ATP: Metal Mexicano

Esta es una nueva sección, y no. Se trata de darle un refresh a una idea que tenía de dedicar un espacio en este blog a mi música favorita, el metal. Retomo esa idea, tratando de modificar un poco el concepto original. Espero sus comentarios sobre esta idea. Lo de ATP algunos ya saben a que se refiere, pero para los que no, solo les diré que estas siglas eran el nombre de un fanzine que yo hacía hace tiempo, y que precisamente, estaba enfocado a la música Underground (y al metal primordialmente). Tomé la decisión de rescatar ese nombre para dicho espacio.


Y para reiniciar, he decidido hacerlo con una banda mexicana. Y en este caso, se trata del cuarteto Dirty Woman. La elección obedece a dos razones: la primera es porque DW ha recibido una nominación en los Indie-O Music Awards en la categoría de Mejor Disco de Metal (compitiendo contra bandas como Calvaria, Lacrimacorpus Dissolvens, Recolector y Acrania) y en este mes se dará a conocer a la banda ganadora. De antemano les deseo mucha suerte a la banda, ya que además de haber sido nominados por una excelente producción (Demon Lover) son muy buenos amigos de tiempo atrás… y siendo sinceros, esa amistad de muchos años fue la segunda razón por la cual decidí relanzar este espacio con ellos.

En estos momentos algunos de ustedes se preguntarán: ¿y que onda con Dirty Woman? ¿De donde son? ¿Qué tocan? ¿Cuántos discos han realizado? ¿En realidad son tan buenos para merecer ganar la presea?


Y empiezo a responder cada una de estas preguntas: DW es un grupo originario del Distrito Federal que tardo varios años para concretarse como una realidad. Inicio muchos años atrás cuando Edson Alemán decide abandonar a la legendaria banda de Hardcore Atoxxxico y decide iniciar el proyecto. Tras varios reveses y búsquedas (tiempo en el cual se edita un EP: First Party, en el 2007), no es sino hasta 2009 cuando DW cuaja como cuarteto con Lutz Alexander Keferstein (ex Bloodsoaked y Arkhe) en la voz, Ángel Castillo en el bajo (con una formación más de músico virtuoso con influencias enraizadas en el Jazz y el progresivo) y Julio César López en la batería (trayendo consigo un insuperable “punch” y una efectiva cualidad percusiva).

Ya integrados como banda, empiezan a aplicar sus conocimientos y sus influencias para desarrollar un estilo inclinado hacia el Stoner Rock, conformando un sonido pesado, influenciado claramente por bandas como Black Sabbath, Corrosion Of Conformity, Spiritual Beggars, entre otras. Entonces inician una serie de conciertos en la capital y el interior de la República Mexicana, ganando con trabajo duro la aceptación del público, al tiempo que se preparaban para lanzar su primer larga duración: Demon Lover, el cual logró agotar su primer tiraje, y va por una segunda edición remasterizada y un track adicional, con el sello La Mazakuata Records.

DL es un disco que destila a lo largo de sus 10 tracks (11 en la nueva versión remasterizada) un excelente rock heavy, con una guitarra que ejecuta buenos solos y algunos riffs que enorgullecerían a Tommy Iommi o a Josh Homme (Kyuss). La batería marcando el tiempo de forma precisa pero a la vez muy natural. El bajo cumpliendo su función de forma discreta pero MUY efectiva. Y una voz distintiva, muy diferente al estilo que Lutz había desarrollado en sus anteriores agrupaciones. En resumen, DW desarrolla un Stoner bien pesadote, rocker, con algunos tintes psicodélicos y muy disfrutable.

Pienso que junto con Maligno, son las mejores bandas que de este género existen en México. En particular, me atraparon canciones como “Master of Draconians”, “Yes, I Sold My Soul”, “Riding Free” (de la cual el videoclip fue censurado en Youtube), “My Sadness”, la instrumental “Delivered To Evil” y la que da nombre al disco: “Demon lover”. Y el track extra (“Spreading the Rage”) tampoco tiene desperdicio. DW es una banda con un futuro promisorio. Conózcanlos, escúchenlos y disfrútenlos. Y sobre todo, apóyenlos.



Y este es su Facebook

sábado, marzo 12, 2011

In Memoriam


Rita Guerrero
1964-2011

El día de ayer, nuestra querida Rita Guerrero perdió en su lucha contra el cáncer de mama. Esta enfermedad le fue diagnosticada en enero del 2010, y aunque se sometió a quimoterapia y otros tratamientos para intentar combatirlo, no pudo ganarle la batalla. Inclusive bandas como San Pascualito Rey, Natalia Lafourcade, Julieta Venegas, la Maldita Vecindad, La Lupita y el mismo Ensamble Galileo (del que alguna vez formara parte), organizaron a finales del año pasado un concierto para reunir fondos y ayudarle apagar el tratamiento. Pero no fue suficiente.

En una de sus últimas declaraciones agradeció el apoyo recibido y dijo que continuaba haciendo sus proyectos y compartiendo música, cantando y enseñando; "siempre en la búsqueda de la belleza que nos une y nos hace seres luminosos y creativos", afirmó.

Descansa en paz Rita y siempre te recordaremos, ya que tus pasos por este mundo olvidado nos importaron mucho.

"Que importa la muerte, si la vida no es vida

que importa la vida, si la muerte es la vida"

Olvido - Santa Sabina


jueves, junio 17, 2010

7 momentos clave en la carrera de Ronnie James Dio (III)

3. Dio se lanza como solista

En 1982, tras el truene con Black Sabbath, Dio decide irse a Estados Unidos y ahí hacer un álbum como solista, y para ello reúne a una banda conformada por su amigo (y colega en sus días con Sabbath), Vinny Appice en la batería, Vivian Campbell en la guitarra (quien venía tocando desde los 15 años con una banda llamada Sweet Savage) y por Jimmy Bain (otro ex Rainbow como él) en el bajo y los teclados. Con este personal, Dio graba su primer álbum intitulado Holy Diver del cual se desprenden dos sencillos: “Holy Diver” y “Rainbow In The Dark”, este último logro ocupar el lugar número 14 en las listas de popularidad en Estados Unidos, y fue bien recibido por la prensa especializada.

No sería hasta la aparición de su segundo trabajo, The Last In Line (editado en 1984, y en el cual se anadirían los talentos en el teclado de Claude Schnell), que Dio logra consolidar su carrera en solitario, creando uno de los álbumes mas influyentes para toda una generación de metaleros que le siguieron. Además debido a su contenido lírico (centrado en espadas, dragones, hechiceros y temas relacionados) se le reconoce como uno de los precursores de lo que más adelante se conocería como el Power Metal.

Y es precisamente del álbum Last In Line, de donde extraigo este que uno de sus mejores temas, y que da título a esta producción.



miércoles, junio 09, 2010

7 momentos clave en la carrera de Ronnie James Dio (II)

2. Dio se une a Black Sabbath

Tras abandonar a Rainbow, Dio es llamado para integrarse a las filas de los legendarios Black Sabbath, ocupando el puesto que Ozzy Osbourne (en ese entonces bien clavado en los excesos) dejo vacante. Su entrada fue más que afortunada, y con Sabbath produjo uno de los discos más importantes en la carrera de la banda (y posiblemente, de la historia del Heavy Metal): Heaven and Hell (1980). Su estilo vocal se acopló perfectamente con los riffs pesados generados por el guitarrista Tony Iommi, creando atmósferas de proporciones épicas y por momentos, muy oscuras y tenebrosas, prácticamente, se podría decir que Sabbath se redefinió musicalmente con la entrada de Dio.

A pesar de ello, la primera etapa de Dio con Sabbath tuvo pocos frutos: Tras otro álbum de estudio (Mob Rules, 1981) y un álbum en vivo (Live Evil, 1982), Dio deja a la banda, debido a fuertes diferencias creativas con Iommi y con el bajista Geezer Butler generadas precisamente durante la grabación del disco en vivo.

De ese periodo con Black Sabbath, les presento precisamente el tema "Heaven and Hell", contenido en el álbum homónimo. Disfruten con sus casi 7 minutos de pesadez y oscuridad.



lunes, abril 19, 2010

Everything Dies...


Peter Steele
1962-2010

"La vida es un juego que no puedo ganar
sea bueno o malo seguramente deberá finalizar"

Type O Negative
Everyone I Love Is Dead

Yo me enteré hasta hoy de esta triste noticia:

Murió el vampiro de Nueva York, Peter Steele

Por Abraham Díaz

DISTRITO FEDERAL, México, 15/04, (N22).- Peter Steele, líder de la legendaria banda de metal gótico Type O Negative, falleció a los 48 años de edad, aparentemente, víctima de un ataque al corazón.

La muerte del músico estadounidense fue confirmada por Kenny Hickey, integrante del grupo, así como por diversas fuentes noticiosas.

En la página oficial de la banda (www.typenegative.net) hay un comunicado oficial donde sus administradores han colgado el siguiente mensaje: "Por favor, sean amables y esperen a los comunicados de la banda y la familia al final del día de hoy. Gracias por su comprensión y su apoyo".

Peter Steele, bajista, tecladista, compositor y voz de Type O Negative fundó otra banda llamada Fallout, además de tocar en agrupaciones como Original Sin y en el grupo de metalcore Carnivore.

En 1989 funda el grupo Type O Negative (pionero del metal gótico, con tintes vampíricos), con quienes grabó siete álbumes de estudio, alcanzando gran popularidad a principios de los años noventa con el disco Bloody Kisses.

Steele, nacido en Nueva York, era un músico inconfundible por su extrema personalidad y su tendencia a la depresión. Ya en 2005 se extendieron los rumores de su fallecimiento debido a que en la página web del grupo se colgó una foto con una lápida que rezaba: "Peter Steele: 1962 - 2005... Libre por fin", aunque resultó ser una estrategia de márketing. En 1995, el controvertido músico apareció desnudo en un número de la revista Playgirl.

Steele estaba preparando material para una nueva producción, ya que la banda no editaba un álbum el 2007 cuando lanzaron el "Dead Again".

Pueden visitar la página oficial del grupo para leer los mensajes y condolencias del resto de los integrantes y ex-integrantes de Type O Negative.

Aquí en México, la noticia de su deceso paso casi inadvertida, a excepción de algunos medios especializados y el espacio informativo Noticias 22, de donde extraje la nota que les presenté al principio.

Vamos a extrañar esa ronca y profunda voz, su presencia inconfundible, impregnada de magnetismo animal que siempre le rodeo... pero sobre todo, extrañaremos sus letras controversiales, depresivas, oscuras y duras, llenas de sensualidad, humor, sufrimiento, maldad, excesos, desesperanza, muerte y rebeldía en iguales cantidades. Descansa en paz Peter.

Y como un modesto homenaje, aquí les incluyo tres de mis canciones (y videos) favoritos del grupo:


Christian Woman (del Album Bloody Kisses):


Watch Type O Negative: Christian Woman in Music View More Free Videos Online at Veoh.com

Black No.1 (Little Miss Scare-All)(también del Bloody Kisses)

Music Videos by VideoCure


Y finalmente, la que le da título a esta entrada: Everything Dies (del album World Coming Down)

Music Videos by VideoCure

lunes, marzo 01, 2010

Armadillo Rocker: "Don't Come Around Here No More" de Tom Petty and the Heartbreakers

Aprovechando el estreno de la versión burtoniana de Alicia en el País de las Maravillas (que llegará a las pantallas este viernes 5, segun lo planeado por la distribuidora), quisiera iniciar esta nueva sección rescatando esta canción de Tom Petty and the Heartbreakers que fue el primer sencillo que se desprendión del álbum Southern Accents editado en 1985; y que fuese producido por Tom Petty, Jimmy Iovine y David A. Stewart de los Eurythmics, quien fue coescritor de dicha canción.

La idea original de la rola (y del video) de hecho, fue inspirada por un evento que le ocurrió a David en una fiesta que se celebró casa de la cantante Stevie Nicks (Ex Fleetwood Mac), cuando ella acababa de terminar su relación con Joe Walsh (si, el mismo de The Eagles). Esa noche, cuando todos se encerraron en el baño para inhalar cocaína, Dave subió a una recámara a echar una siesta. A las cinco de la madrugada, fue despertado por una Stevie Nicks ataviada de ropajes victorianos, y en un escenario que le evocó a los escenarios descritos en Alicia en el país de las maravillas. Esa misma mañana, ella le diría a Joe Walsh: "Don't come around here no more" (No vuelvas más por aquí), que se convertiría en el título del tema musical.

En el video, podrán ver a Dave Stewart caracterizando a la Oruga Fumadora, a la actriz Wish Foley como Alicia, y a Tom Petty como el Sombrerero Loco. Es curioso: siempre que me imagino al sombrerero lo veo exactamente tal y como lo encarna Tom Petty: Gracioso, un tanto cínico, desgarbado y con un toque de malicia.

La canción por si misma crea una atmósfera alucinante: la voz rasposa tipo graznido y nasal de Petty hacen buena mancuerna con un acompañamiento de cuerdas y el sonido de una cítara, creando un ambiente de exotismo y onirismo particulares, además que Stewart incluye algunos elementos como las vocales femeninas y algunos efectos en sintetizador, que fueron el sello característico en Eurythmics. Sin más preámbulos, disfruten esta interpretación de Alicia en el País de las Maravillas, cortesía de Tom Petty and the Heartbreakers. El final del video (y de Alicia) me encanta…




viernes, marzo 13, 2009

Viernes de Armadura Blindada: Iron Maiden I

Iron Maiden vino a México... y yo no pude verlos....lo cual me entristece mucho, ya que tanto el concepto del show como las canciones que tocaron correspondieron a su época dorada, la época en la cual los conocí, cuando todavía era un adolescente idealista... bueno, al menos creo que idealista sigo siendo.

Mientras espero a ver si Maiden decide regresar el año entrante, y a manera de penitencia por no haber hecho todo lo humanamente posible por ir, a partir de este viernes les dedicare un espacio al recuerdo, un espacio para revivir esos tiempos... un espacio para Iron Maiden.

He aquí una canción de su primer disco, el homónimo "Iron Maiden". Un clásico... Phantom Of The Opera.


miércoles, febrero 11, 2009

Y cuando aún no nos reponemos de lo de Jorge Reyes...


Orlando "Cachaito" López

1933 – 2009


Se nos fue otro integrante del Buena Vista Social Club. Esta vez se trató de Orlando López, "Cachaito", quien se nos adelantó el dá 9 de febrero. He aquí la nota publicada por La Jornada:

Murió Cachaíto López, “último bajista estelar de Cuba”
■ “Nos deja la fuerza de su sonido en una amplísima discografía”, señaló Amadito Valdés

■ “Era capaz de tocar con excelencia suprema cualquier género musical de la isla o extranjero”, escribió en 2006 el crítico Orlando Matos

■ Fue figura principal de Buenavista Social Club

Gerardo Arreola (Corresponsal)
La Habana, 9 de febrero. Orlando Cachaíto López, figura estelar de Buenavista Social Club y último integrante de una dinastía de músicos cubanos que llevó el contrabajo al protagonismo en el son, el danzón, el mambo y el jazz latino, murió hoy a los 76 años de edad.

“Fue uno de los bajistas más importantes de todos los tiempos en Cuba”, dijo a La Jornada el percusionista Amadito Valdés, también parte de Buenavista y uno de los amigos cercanos de Orlando. “Era el último que quedaba en la generación de bajistas estelares de este país.”

Hijo de Orestes Macho López y sobrino de Israel Cachao López, Cachaíto fue la segunda generación de la saga abierta por ese par de virtuosos en el primer tercio del siglo pasado.

Orlando fue el contrabajista titular de Buenavista Social Club desde que se formó ese all-stars, a mediados de los 90. Es el único músico que está en todos los discos de la banda, con la cual vivió todos los momentos estelares, como una gira triunfal por Europa, una presentación apoteósica en el Carnegie Hall de Nueva York, el documental de Wim Wenders y el premio Grammy, en 1997.

En esa misma serie del sello World Circuit, Orlando grabó su primer compacto como solista, que sólo podía llamarse de una manera: Cachaíto.

Su bajo sonó en Rhytms del mundo Cuba, fonograma en el que el productor británico Kenny Young reunió hace dos años a músicos de la isla con anglosajones, como Sting, Radiohead y U2, entre otros, para recaudar fondos en beneficio de los damnificados de desastres naturales, como el tsunami asiático de 2004 y el huracán Katrina que arrasó el sureste de Estados Unidos en 2005.

Colaboraciones emblemáticas

“Sobre todo nos deja la fuerza de su sonido en una amplísima producción de la discografía cubana contemporánea. Está en obras emblemáticas, como La novia del feeling, de Omara Portuondo; en grabaciones de Chico O’Farrill (Arturo, trompetista), y desde luego era el bajista favorito de Peruchín (el pianista Pedro Jústiz)”, señaló Valdés.

Ejecutante precoz, dedicado a la música desde la adolescencia, Orlando López ya tocaba en una charanga a los 13 años, y a los 17 logró entrar a una de las más célebres agrupaciones de ese género, Arcaño y sus Maravillas, donde su padre y su tío no sólo fueron solistas destacados, sino que expandieron el danzón tradicional hasta crear el ritmo que sacudió a la juventud de hace seis décadas: el mambo.

Trabajó en la orquesta del cabaret Bambú en los años 50, y llegó a la Riverside, agrupación estelar de la época en el formato de jazz band. En 1960 ingresó a la Sinfónica Nacional y luego estudió contrabajo con el checo Karel Koptiva.

En una semblanza publicada en 2006, el crítico Orlando Matos describió a Cachaíto con estas líneas: “Bajista excepcional, que me atrevo a llamar total, capaz de tocar con excelencia suprema cualquier género musical cubano o extranjero”.

Al rescate de la descarga

Con su producción como solista, según confesó a Matos, Cachaíto buscaba recuperar el ambiente de la descarga, “mi mundo, pero en el que no me conocían”. Se refería a las sesiones de jazz afrolatino que se popularizaron en los años 50, en las que participaba de forma muy activa su tío Cachao, a quien se debe la idea de grabar aquellas jornadas de improvisación con ejecutantes como Frank Emilio Flynn, Bebo Valdés y Peruchín, entre otros.

Años atrás, los dos primeros López pusieron su huella en la historia musical cubana. A finales de los años 30, Macho impulsó en la banda de Arcaño lo que originalmente se llamaba “nuevo ritmo”. Era una extensión del final del danzón, más animada que las primeras secciones, que el autor quiso elaborar al percatarse de que los bailadores llegaban a un punto que demandaba más movimiento.

Cachao se unió a la iniciativa de su hermano y maestro, y ambos compusieron piezas de lo que finalmente se conoció como “mambo”. Dámaso Pérez Prado relaboró el ritmo y lo llevó a México en su forma más conocida, con una base de banda gigante.

lunes, febrero 09, 2009

Q.E.P.D.


Jorge Reyes

1952 -2009

Asi es, Jorge se nos acaba de ir al Mictlan... he aquí la nota completa extraída de La Jornada:

En un sueño terminó la vida del etnomúsico Jorge Reyes
■ Sus conciertos de Día Muertos en CU, una reivindicación de las culturas mesoamericanas
Jorge Caballero

La madrugada del sábado murió el etnomúsico Jorge Reyes a causa de un paro cardiaco. Se quedó dormido en su estudio y ya no despertó. Sus restos serán cremados hoy. Le sobreviven sus hijos Citlalli, Ridwan y Eréndira, y Ariane Pellicer, su mujer.

Sus amigos encendieron velas y formaron con los instrumentos musicales del artista un altar adornado con dos fotografías en blanco y negro de Reyes, así como una alfombra de pétalos alrededor del féretro. Cuatro grandes ramos custodiaron el ataúd, mientras algunas personas hicieron sonar las flautas de barro y los tambores que Jorge Reyes utilizó en alguna parte del mundo o en el país que lo vio nacer hace 57 años.

Ariane Pellicer definió a su compañero: “Fue un ser que jugó con la música antigua y la moderna, que iba muy adelante de su época, por eso todo mundo lo va a recordar, por creativo y buena persona, que amaba a sus hijos y familia”.

Autodefinido como etnomúsico, Jorge Reyes es considerado uno de los artistas más reconocidos en la escena musical contemporánea mexicana, su obra abarca un amplio rango de experimentación sonora, incorporó instrumentos prehispánicos a la música rock, jazz y electrónica y creó su propio género musical, el cual definió como tloque nahuaque (música corporal con canto armónico).

Reyes nació en 1952 en Uruapan, Michoacán, estudió flauta transversa en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) antes de optar por un estilo propio. En la década de los años 60 hizo un viaje a Europa en una aventura de aprendizaje musical que le llevó a Alemania, donde estudió música clásica, electrónica y jazz. También viajó a India donde estudió la música tradicional hindú y tibetana.

A su regreso a México formó los grupos Al Universo y Nuevo México, hizo sus primeras fusiones mezclando rock con instrumentos mesoamericanos como el teponaztle, caparazones de tortuga y caracol. En 1980 fundó con Armando Suárez el grupo Chac Mool. Fue flautista y guitarrista de la agrupación e imprimió sus conocimientos musicales en cuatro discos y le dio al grupo su característica esencial: la creación de atmósferas con letras profundas que trasladaban al escucha a un mundo fantástico.

La aparición de Chac Mool coincidió con el boom del rock mexicano; la instrumentación del conjunto fue pionera al incorporar violoncello, mandolina, timbales, sintetizadores, flauta e instrumentos prehispánicos.

En 1985, Chac Mool se disolvió y Jorge comenzó una prolífica carrera de solista que le llevó a ser uno de los músicos mexicanos más reconocidos del mundo. Jorge Reyes se caracterizó por presentar música popular mexicana y por concebir sus conciertos como ceremonias rituales prehispánicas, en las cuales sintetizó sus investigaciones musicales y viajes para formular lo que es la columna vertebral de su propuesta sonora: la mezcla de sonidos autóctonos y prehispánicos con la tecnología musical avanzada de los procesadores de sonido, armonizadores, ecos y sonidos guturales. Ejemplo de ello fueron los tradicionales conciertos que ofrecía el Día de Muertos en el Espacio Escultórico de la UNAM, una reivindicación de los principios sagrados de las culturas mesoamericanas, donde el músico aparecía como jaguar.

El cubano Piro, fundador del grupo Ritmo Peligroso, dijo: “La muerte del gran Jorge Reyes es una gran pérdida para la música mexicana; conviví con él muchas veces a través de los años, nuestra amistad se remonta a finales de la década de los 70 cuando todavía colaboraba con Nuevo México. Dejó un legado musical muy importante”.
Jorge Reyes grabó 26 álbumes, destacan: A la Izquierda del Colibrí (1985), Comala (1986), Ek Tunkul (1987), Viento de Navajas (1988) y la obra fundamental Bajo el Sol Jaguar (1991). Además de Nierika (1989) y El costumbre (1993), entre muchos otros.

miércoles, junio 25, 2008

Miércoles de Cine

Interrumpimos la entrega sobre lo mejor del Verano para dar una triste noticia:

Stan Winston

1946-2008



La semana pasada se me quedó en el tintero escribir algo sobre la muerte del Señor Stan Winston, quien falleciese el domingo 15 de junio, víctima de un mieloma múltiple (un tipo de cáncer sanguíneo), con el cual luchó durante siete años. Winston falleció a los 62 años.

Tal vez varios de ustedes se preguntarán: ¿Y este Señor Winston quién era?, ¿Qué hacía?, ¿Qué tiene que ver con los Miércoles de Cine?

Pues tiene mucho que ver, ya que a él le debemos muchos de los iconos más importantes del cine fantástico de los últimos veinte años.

Winston era un artista pionero en efectos especiales y maquillaje, el cual cimentó una carrera profesional de suma trascendencia en el séptimo arte, la cual le permitió fundar
su propio estudio en ese ramo. Su técnica iba desde el make-up y la caracterización, pasando por el diseño de animatronics, hasta el uso de las tecnologías computarizadas y el CGI para la creación de seres sorprendentes, fabulosos… y no en pocos casos aterradores.

Entre algunas de sus creaciones más importantes podemos mencionar:

El diseñó a la grotesca criatura que aniquila a todo un equipo de exploradores en el Antártico, en la cinta
La cosa del otro mundo del maestro John Carpenter.

Fue el encargado de convertir al fornido
Arnold Schwarzenegger en The Terminator, y desde luego diseñó al incansable Cyborg que sería la pesadilla de Sarah Connor en la cinta homónima, dirigida por James Cameron. También estaría detrás del diseño de los otros robots que aparecerían en las secuelas de esta serie.

Desarrolló (en base a los diseños de
H.R. Giger) a los monstruosos Aliens, también para James Cameron. Y por si se lo preguntaban, también diseño a la otra raza extraterrestre antagonista de los Aliens: Los Depredadores o Predators.

En el terreno del maquillaje, fue el responsable de la pálida y melancólica imagen de
Edward Scissorhands, en la cinta del mismo nombre dirigida por Tim Burton. Para este director, también diseñaría la siniestra efigie de El Pingüino en la segunda entrega de las aventuras de Batman.

Dio vida (y con ello nos dejó boquiabiertos) a los maravillosos (y letales) dinosaurios de la exitosa
Jurassic Park y secuelas.

Diseño los trajes high tech para la nueva cinta de
Iron Man, dirigida por Jon Favreau.

Por todo ello, es importante rendir (aunque sea) un pequeño tributo a la memoria de un personaje que trajo al mundo real toda una galería de seres que hicieron las delicias de muchos y las pesadillas de otros tantos. Gracias Maestro por habernos regalado un universo pletórico de imaginación y criaturas fantásticas. Descansa en paz. Y que mejor que recordar al maestro con este clip que reune sus mejores trabajos, y que esta musicalizado por Nightwish:



viernes, mayo 23, 2008

Rompiendo el silencio...


Después de una larga ausencia, aquí estoy de vuelta (brevemente) para abrir de nuevo la guarida, y de pasada, darle una escombradita, que la tengo un tanto descuidada.

En este momento estoy cocinando varias cosas, las cuales iré subiendo en estos días, por lo pronto, y para romper el silencio de manera apropiada, que mejor que volviendo a instaurar nada más y nada menos que:

Los Viernes de Armadura Blindada

Los cuales además, a partir de hoy tendrán una doble modalidad: Serán dos videos, uno de un grupo estelar, y otro que será sorpresa.

Para el grupo estelar de esta ocasión, he decidido que sea Dream Theater. Las razones de mi elección (como en otras ocasiones) son puramente egoístas (lo admito) y además, busco con ello exorcizar la tristeza que traigo de no haber podido ir a verlos en su más reciente presentación el pasado 29 de abril. Y es que (sin afán de presumir) he ido a todas las presentaciones que la banda ha realizado en nuestro país... excepto esa.

Empezaremos esta sesión con algo de su primer disco. Esto se llama A Fortune In Lies, y es la primera canción del primer disco de la banda intitulado When Dream and Day Unite. Desafortunadamente, no pude conseguir un clip con la alineación de ese entonces, por lo que solo les incluyo la canción con la portada del disco, el cual vio la luz en el (cada vez más lejano) 1989. Cuando estaba en la Fac, ¡imagínense!



Y ahora, para entrarle a algo más pesado, esto es de los alemanes Kreator, que se llama Enemy of God, y que aparece en un disco del mismo título que fue lanzado en el 2005. Headbangers... shake your heads!!!!!!



Nos vemos por acá muy pronto.


viernes, septiembre 14, 2007

Viernes de armadura blindada


Después de un rato de ausencia, hemos vuelto, y lo hacemos a tambores batientes, con los viernes ¡¡¡Heavy!!!!!

1985 es un año que muchos de nosotros recordamos por el terrible sismo que sacudió nuestra ciudad (y las conciencias de algunos). Ahora, a unos días de conmemorarse tal evento, me puse a pensar... ¿Y que disco interesante de HM salió ese año? (Caramba, cosas tan ociosas en lo que piensa uno...)

Haciendo un poco de memoria (y de investigación) descubrí que ese año el grupo alemán Accept sacó el disco "Metal Heart", el cual algunos consideran uno de los más comerciales de su carrera (que inició en los setenta). Y tal vez sea verdad... y sin embargo, con este disco Accept no solo accedió al mercado norteamericano, sino que logro crear un disco excelente: con una buena combinación de melodía y agresividad. Una conjunción afortunada entre la rasposa y agresiva voz de Udo Dirkschneider con la poderosa a la vez que virtuosa guitarra de Wolf Hoffman. Para ejemplificar algo de este disco, he seleccionado la canción que fuese su primer sencillo: "Screaming For A Love Bite". Este es un video armado por un fan, que decidió usar varias escenas de la película Dog Soldiers para ilustrar la canción. Cine y metal... adoro esta combinacion. Y aquí les va:



Y para cerrar la entrega de viernes de armadura blindada, y muy a propósito de su visita por esta ciudad este 23 de septiembre, los dejo con los señores de HammerFall, y esta que es una de mis canciones favoritas: Hearts on Fire.



Nos vemos por acá pronto, y ya vienen más cosas en breve. Y por si acaso, que pasen un 15 de septiembre superentretenido.

lunes, junio 18, 2007

El club de las cinco... Tori

En alguna entrada anterior, les comenté sobre mi afición hacia la cantante y artista Tori Amos. Por ello, les comparto este artículo que fue publicado hoy en el periódico Milenio. Espero lo disfruten y les despierte algún interés:
Tori Amos. Los muchos rostros de la diosa

Con su más reciente producción, American Doll Posse, esta pelirroja legendaria se da el lujo de regalar al mundo un álbum en el que presenta un panorama completamente único a través de sus canciones y su piano, como sólo ella sabe hacerlo… ¡salud, Torífilos!.

18-Junio-07

Se podrán decir muchas cosas del más reciente disco de Tori Amos pero nadie objetara que le sobra ambición. A pesar de que los dos últimos álbums de Myra Ellen Amos (nombre que le pusieron en la pila bautismal, allá por 1963), Scarlet´s Walk y The Beekeper, fueron sobre todo mal vistos por su excesiva duración, como si Tori se sintiera obligada a llenar los 78 minutos que caben en el CD, donde casi todo mundo hoy día sólo hace discos de 40 minutos, pero ya es bien sabido que cuando Tori se la juega lo hace al margen de prudencias y para celebrar sus veinte años en la música (comenzó como rockera metalera en 1987 con la banda Y Kant Tori Read) con uno de los discos más ambiciosos de la década, que posiblemente esté destinado al fracaso comercial y a la incomprensión de la crítica.

Muñecas Americanas

El concepto del disco, que consta de 23 canciones, es casi bizantino: en él, Tori, apoyándose en su amigo, el escritor Neil Gaiman, ha decidido asumir cinco personalidades distintas basadas en el panteón de divinidades griegas, y cada una tiene sus propias canciones:


  • Isabel (HisTORIcal), su personalidad más política, inspirada en la diosa de la caza, Artemisa, abre el disco con una diatriba anti- Bush “Yo George” y también canta la juguetona “Mr. Bad Man”, el brevísimo interludio “Devils & Gods”; “Almost Rosey” que arrebata a pesar de algunos guitarrazos eléctricos metidos con calzador, y por último otro tema anti-bélico, “Dark Side of the Sun”, a veces el discurso es un tanto cargante, pero es notable en su parte musical, con esos pianos que son característicos suyos.


  • Clyde (CliTORIdes), inspirada en Perséfone, idealista y decepcionada con la vida, se siente incompleta y muestra su personalidad en la embriagadora e irresistible, “Bouncing off Clouds”, la pequeña maravilla orquestal inspirada en “Eleanor Rugby” titulada “Girl Disappearing”, la deliciosa “Beauty of Speed” o la suntuosa y bellísima balada “Roosterspur Bridge”, musicalmente al menos, Clyde es mi personalidad favorita del disco.

  • Pip (ExpiraTORIal), inspirada en Pallas Atenea, representa su parte más combativa y guerrera, y musicalmente resulta la más errática, y para ella hay temas como el glam-hardrock “Teenage Hustling”, algo pasado de rosca y forzado, el histriónico tema a lo riot grrl “Fat Slut”, la extravagante “Velvet Revolution”, o la fantasmagórica y sombría “Smokey Joe” recordando a los momentos más oscuros del inolvidable Boys for Pele.


  • Santa (SanaTORIum), inspirada en Afrodita, diosa del amor y la belleza, representa la sensualidad, y canta temas como el pop sensual de “Secret Spell", el glam pachecón con guitarras a lo Roxy Music, de “You Can Bring Your Dog” o el interludio con sabor a antiguo “Programmable Soda”, y “Dragon” con la que se cierra el disco de forma bella y enigmática.



  • Tori (TerraTORIes), inspirada en Cibeles y obviamente en sí misma. Canta temas como el trepidantemente rítmico single “Big Wheel”, la extraña balada “Father’s Son”, que aborda temas de fe y devoción; la excesivamente abigarrada y recargada “Code Red”, la breve y anecdótica “Posse Bonus”, o la delicada pieza con toques de electrónica “Digital Ghost”.

Reinventando a la Tori

Dicho esto, se ve que Tori estaba obsesionada con algo así como "explicar a otras mujeres que cada una tiene su propia versión de la femineidad dividida, y que ésta puede haberse visto reprimida. Al basarse en aspectos antiguos de la personalidad femenina, estos aspectos existen en todas nosotras, y nos hemos visto obligadas a tomar la decisión de reprimirlos en una o todas facetas de la femineidad, de ahí la idea de 5 personalidades distintas formando una mujer completa", como ella misma señala en el álbum, que incluye un fascinante trabajo fotográfico.

Sólo su talento las avala para darse estos lujos (Madonna y Björk son las otras dos que han hecho algo parecido) y si bien este complicado proyecto podría ser una gigantesca tomadura de pelo si no hubiera las canciones que lo sustentan, ha sido un cambio inteligente y necesario; la diversidad de este disco supone un soplo de aire fresco, se agradece la mayor fuerza, versatilidad y la aventura. American Doll Posse es un nuevo reflejo de una artista única que ha sabido crear un mundo propio y que para bien o para mal este disco sólo lo habría podido crear ella.

Miguel Cane
Seccion "El Ángel Exterminador"


Nota: Las fotos no pertenecen al artículo, las obtuve de la red y de http://everythingtori.com

sábado, mayo 19, 2007

Viernes de armadura blindada... que se convirtió en sabado de conchudez

Después de un ratillo de no subir nada para los metaleros que leen este blog, aquí van dos videos, uno más o menos reciente y el otro para el recuerdo.

El primero corresponde al disco solista del que considero uno de los mejores vocalistas que el metal finlandés ha dado al mundo. Me refiero a Timo Kotipelto. Esta es la canción Reasons. No se si a las lectoras asiduas (visitantes de la guarida)el Timo les parezca galán, pero para la chica de este video parece que si, ya que se ahoga (literalmente) por él:




Y el video del recuerdo es nada menos que de Iron Maiden. De su disco Piece Of Mind extraigo una de sus piezas clásicas: Flight Of Icarus. Bruce Dickinso haciendo alarde de la supervoz que tenía en ese entonces. Este video posee una curiosa subititulación al portugués, pero bueno... fue la unica forma de conseguir por la red el video original. Chequense los superefectos especiales de esa época (estamos hablando de 1983):

viernes, marzo 23, 2007

Viernes de Armadura Blindada

Para aquellos que gustan del metal y formas similares de música, he creado esta pequeña sección para poner cosas relativas al tema... además, ya hacía un rato que no les subía videos :)

Esta ocasión, y en honor a las visitas que tuvimos la semana pasada, voy a subir dos videos de un par de bandas que, aunque opuestas en su propuesta y tendencias, son bastante importantes en la escena del metal y el rock mundial.

El primero de los videos es The Gathering, una banda holandesa que a mi me gusta muchos, con una de las mejores voces femeninas en este medio (La de Anneke Van Giersbergen). Si les gusta el metal melódico con tintes medio melancólicos, esto es para ustedes... Y si no, al menos gocen de la voz y la belleza de Anneke. La canción se llama "Leaves", y viene incluida en su tercer álbum (primero con Anneke): Mandylion .


El otro, como les dije, va de otra cosa: Se trata de John Lepe y compañía: Brujeria, una de las Bandas Death/Grind/Core más divertidas y originales que he conocido. Acá los dejo con su canción "La Migra" de su segundo álbum Raza Odiada: Y ¡Aguas con Juan Brujo!


Mas posts en breve.